A Inutilidade da Arte: Uma visita ao Inhotim

A finalidade do objeto de arte é gerar uma representação. Não precisa ter significado objetivo, não serve como ferramenta, não serve para comer e não serve para copular. Ora, objetivamente não serve para nada! Entretanto dá alento à vida tornando-a possível. Como manifestação do espírito, a arte exige predisposição para vivenciá-la, existe algo de entrega na interação com uma obra de arte. Aquele que aceita o convite do(a) artista passa a ser coautor da obra, resultado da interação artista-observador. Deduz-se que a arte não se consuma fora do coletivo. Tivemos a experiência ao visitarmos o Instituto Inhotim onde nos emocionamos com as obras de Yoyoi, Kilomba e Meireles, e com o Jardim Botânico que era muito mais do que parecia ser.

Inhotim como metáfora da arte

No caminho para Brumadinho enfrentamos as hostilidades da autoestrada que nos levou da Mantiqueira aos Campos Gerais. Atravessamos congestionamentos e sentimos a agressividade dos caminhões que, segundo minha dedução, disputavam um assento ao lado de alguma divindade. A autoestrada é um caso típico de não lugar, como diria Marc Augé, nenhuma interação positiva emerge dessa invenção humana. Ao longo do trajeto questionamos a nossa decisão de visitar o Instituto Inhotim.

Finalmente chegamos em Brumadinho, para sempre marcada pelo desastre causado pela mineração. A mesma agressividade sentida na viagem, estava presente ali. O ambiente férreo, pesado, poluído e inumano, se apresentava conforme nos aproximávamos da cidade. Ali percebemos que uma parcela dos recursos da indenização paga pela mineradora foi utilizada para fazer melhorias urbanas. Pensei que não há indenização que pague pelo que se perdeu motivado pela negligência das mineradoras.

Lembrei-me dos debates com os alunos sobre a responsabilidade das corporações. Deveriam se limitar ao pagamento dos impostos e salários como apregoava Milton Friedman? Minas Gerais sofre séculos de exploração das suas veias férreas, tão conhecidas de Drumond. Cinzas, ferro, chumbo, água podre, ar irrespirável, poucas calçadas e muitos caminhões, eis o entorno de Brumadinho. Definitivamente eu não concordo com Milton Friedman, o capitalismo só funciona com freios amparados por instituições e regramentos estabelecidos.

Jardins:  Mudança de Estação

Chegamos ao portão que dá acesso ao Inhotim. O lugar estava vazio a não ser por um grupo de estudantes que aguardava o momento da visitação. Nos metemos entre eles e seguimos guiados pela Professora que aceitou de forma tácita a nossa presença. Um sopro de alegria e curiosidade foi o que sentimos daqueles olhos vivos, peles morenas, e doce sotaque mineiro.

Caminhamos à meia sombra das árvores com copas altas e amplas. A paisagem mudou quando atravessamos o portão de entrada. Estávamos no meio de um jardim botânico elevado à categoria de arte. Alguém desenhou aqueles caminhos, escolheu e cultivou as espécies e as distribuiu de forma harmônica para dar sentido ao espaço. Quem idealizou o jardim considerou o porte das plantas na fase adulta, as cores, a época do florescimento, e pensou na sua adequação para acolher visitantes, teve a intenção de sensibilizar o observador. As plantas oferecem sons acolhedores, temperatura e luminosidade que estimulam de uma só vez, a visão, a audição, o tato, o olfato. Ali, a botânica é arte. Um “lugar”, enfim.

Sensações

Com os sentidos despertos, visitamos as instalações e percebemos a arte como resultado da interação observador-obra. Passou algum tempo desde a viagem a Inhotim, tempo que selecionou as impressões deixando apenas aquelas que emocionaram. A memória está conectada com emoções, e a interpretação de uma obra de arte depende do repertório de experiência do obsrvador ou de algum fato trazido pelo acaso. Cabe aos neurocientistas explicarem como os elementos impressionam os sentidos do observador. Com o tempo, somos capazes de relatar a experiência, subjetiva e relacional, entre observador e obra. Compartilho as impressões que permaneceram na minha mente.

Experiência 1:  Yayoi Kusama (1929, Japão)

Eu sabia que a artista nonagenária vive entre internações e desinternações causadas por problemas mentais. A maneira pela qual observei sua obra deve ter sido afetada pela sua loucura, tema que sempre me sensibilizou. Entrei nas instalações criadas por Yayoi Kusama. Eu sabia que seria território limítrofe entre o desequilíbrio e o que chamamos de comportamento normal.

Na primeira experiência, a artista estica a corda dos sentidos. Na instalação denominada Espelhos Infinitos, rompe com os limites sensoriais de espaço. A alegria explode nas bolinhas coloridas como um mantra visual. A repetição sem fim de um gesto criativo gera círculos coloridos, que se assemelham a pequenas mandalas a expressar a busca pelo controle de uma mente acelerada.

Toda uma vida a produzir bolinhas e a romper com as sensações estáveis. A dialética existe entre a estabilidade e a ruptura com os sentidos. Assim é Yayoi Kusama, uma fonte de alegria e de desequilíbrio.

Experiência 2: Grada Kilomba (1968, Portugal)

Da obra de Kilomba, as sensações emergiram das palavras, dos volumes carbonizados espalhados pelo piso. Lembro ter ouvido sons, mas não registrei algum elemento que os identificasse. Um navio é delimitado por caixas pretas, volumes cúbicos espalhados pelo chão a lembrar uma nave negreira. Caixões com nomes de pessoas perdidas para a vida. Madeira carbonizada a lembrar o fim de cada um, nas cinzas que serão reincorporadas ao ambiente. O ciclo recompõe átomos e moléculas. Esse conjunto define um corpo, que vive, morre e torna a se decompor. Nomes de histórias perdidas nos porões negreiros, histórias nunca reveladas de desterro. Seres feridos de morte que insistem em sobreviver. Dor e resistência compartilhadas com observadores desconhecidos, séculos depois, em local seguro.

O contraste foi a sensação percebida no diálogo observador-obra. Eu estava aparentemente seguro, livre para sair quando desejasse. Os mortos estavam presos aos caixões pretos e carbonizados, para sempre e sem esperança.

Experiência 3: Cildo Meirelles (1948, Brasil)

Vermelho é cor primária, marcante, impressiona o observador. Na instalação de Cildo Meireles há duas marcas instigantes. A primeira é formada por ambientes e objetos do cotidiano reduzidos a um denominador comum: o vermelho. A outra é composta pelos sons do vidro quebrando sob os pés dos visitantes que passam pela instalação.

O vermelho está em todas as partes. Nos livros, quadros, geladeira, sofá, todo o cotidiano familiar provocado pela cor pecaminosa que acorda os sentidos e movimenta a libido. O contraste é provocativo. Um lar típico é subvertido. Tudo o que se possa descrever posiciona o cotidiano de uma família burguesa. Tudo, exceto a cor. Vermelha de cabo a rabo, de cima a baixo. A cor alerta que nos bastidores do cotidiano familiar, permanecem os desejos reprimidos e os sentidos ávidos pela ruptura.

Um trajeto marcado no piso leva o visitante a um ambiente que sai do lar e envereda pela escuridão. A segurança abalada pelo vermelho é substituída por um trajeto que conduz ao êxtase. Uma explicação se configura diante de um tanque com uma torneira que despeja continuamente um fluido vermelho, o mesmo que alimenta a vida. Esse mesmo fluido quebra a lógica do cotidiano.

Em outra instalação, o observador entra em uma área quadrangular cercada por alambrados e cordas. O chão está coberto por cacos de vidro. O visitante ouve os seus próprios passos que estilhaçam os pedaços de vidro por onde pisa. Ouvir os estilhaços dá uma sensação ácida, pungente, cortante, o passante provoca a destruição do ambiente que visita. Lembro do ar frio do ambiente – estaria frio no lugar ou a minha mente entendeu que deveria estar? – que compõe, com os ruídos do vidro estilhaçando, um ambiente hostil cuja execução é completada pelo visitante. A obra me lembrou que vivemos no “antropoceno”. Esta é a era inaugurada quando passamos a esbanjar a energia fóssil que alterou a condição de vida no planeta. Por onde passamos, quebramos os cacos de vidro e provocamos destruição.

Eis o alerta do artista que instiga o observador a repensar a comodidade do lar burguês quebrada pelo vermelho. Ele expõe a destruição causada pela nossa passagem, por mais leve que tente ser.

A Volta

O exterior hostil, deu a tônica ao contraste. O caos é que dá relevância à harmonia sugere que o conflito é real e necessário. Não conseguiríamos sobreviver sem que os opostos dialogassem. Esta é a pura dissonância yin-yang expressa por Lao Tsu. A ausência dá substância à presença, a sombra valoriza a luz, a velhice complementa a juventude. Daí a energia desestabilizadora e ao mesmo tempo estabilizadora das obras de Kusama, Kilomba e Meireles. Os artistas realizando o seu papel de agitar a superfície do espelho d’água recriando a realidade.

A arte não serve para nada! Ainda bem que existem coisas sem serventia a não ser descontruir certezas, criar obstáculos e incomodar os sentidos adormecidos. Seria, talvez, uma maneira de interpretar as impressões de uma visita ao Instituto Inhotim. A viagem de volta foi leve, eu nem percebi a violência dos caminhões em trânsito pela estrada. Dá para enfrentar a vida. Ainda bem que a arte não tem serventia.